La galerie Eva Vautier a le plaisir de présenter l’exposition Blancs de Yosef Joseph Dadoune (seconde exposition personnelle de l’artiste à la galerie après Des Racines en 2018). La publication Blancs, éditée pour l’occasion par Arnaud Bizalion, sera présentée lors du vernissage.



L’œuvre de Joseph Dadoune, né à Nice en 1975, se situe à la confluence de la vidéo, de la photographie, de la performance, du dessin, de l’architecture et de l’action sociale. Son travail exprime son intérêt pour les tensions entre l’Orient et l’Occident, la vie religieuse et la vie laïque, le pouvoir central et la périphérie, ou encore le réel et l’imaginaire. Ses œuvres résonnent également avec les problématiques coloniales et les questions de genre et d’identité.

L’exposition s’ouvre avec la série Found You, introduction qui prolonge l’exploration, par l’artiste, du motif de la fleur. Mais si, en 2018, lors de la précédente exposition présentée à la galerie, les fleurs dessinées par Joseph Dadoune semblaient blessées, intoxiquées, presque violentes, celles de la série Found You s’offrent aux regardeurs chargées de l’intensité des couleurs, de l’urgence du geste et d’une confiance vibrante de l’artiste dans la rencontre avec l’autre, un autre « trouvé ».



Ce mur de fleurs nous transporte vers un espace entièrement blanc propice à une contemplation méditative. La série Blancs s’inscrit en effet dans un nouveau tournant, engagé en 2019, avec l’utilisation de nouveaux matériaux comme le goudron ou le marbre, mais aussi l’irruption du blanc. Tout en poursuivant son subtil et riche travail sur la matière, qu’il explore inlassablement, Joseph Dadoune nous livre ici des œuvres en apparence dénuées d’images, mais dont le pouvoir d’évocation est démultiplié par les procédés employés par l’artiste : objets masqués, titres évocateurs, etc. Dans ces œuvres lumineuses, quelque chose est là, invité à être (re)trouvé.



L’exposition se vit comme un chemin de la couleur vers le minimalisme incarné par le blanc, voyage entre ce qui est trouvé et à retrouver.

À la croisée des arts et des sciences, l’exposition « Modèles marins. Dessiner la régénération » est le fruit du travail inédit d’Irene Kopelman avec deux laboratoires de recherche.

Après une première collaboration en 2018, le MAMAC et l’artiste argentine ont poursuivi leur coopération avec une résidence artistique de 18 mois, des recherches ciblées portant principalement sur la vie marine étudiée à Nice et ses environs. Deux délicats invertébrés marins observés pour leurs exceptionnelles capacités biologiques ont tout particulièrement inspirés l’artiste.

Ainsi, dessins, œuvres de verre, pièces en céramiques et peintures témoignent de cette recherche associant le Laboratoire de Biologie du Développement de Villefranche-sur-Mer (LBDV) à l’Institut de la Mer de Villefranche (IMEV) avec le Directeur de Recherche, Stefano Tiozzo, et l’Institut de Recherche sur le Cancer et le Vieillissement de Nice (IRCAN) – membre de l’Institut Fédératif de Recherche Ressources Marines (IFR MARRES) – avec le Directeur de Recherche Éric Röttinger.

Nombreux sont les artistes qui se préoccupent du vivant, rares sont ceux qui font de la recherche en biologie marine une source d’inspiration. Irene Kopelman est de ceux-ci, et cette résidence nous ouvre les portes de l’univers fascinant des Nematostella et Botrylle étoilé, vus au travers de son regard.

Exposition réalisée en collaboration avec le Laboratoire de Biologie et du Développement de Villefranche-sur-Mer (LBDV) de l’Institut de la Mer de Villefranche (IMEV – SU, CNRS), l’Institut de Recherche sur le Cancer et le Vieillissement de Nice (IRCAN – UCA, CNRS, INSERM).
Irene Kopelman a été Lauréate du programme d’Université Côté d’Azur pour la recherche avancée ; à ce titre, la résidence de l’artiste a été soutenue par l’IDEX UCAjedi d’Université Côte d’Azur.
Le projet a été sélectionné par la commission mécénat de la Fondation des Artistes qui lui a apporté son soutien, ainsi que celui du Fonds Mondriaan.
Ce travail a bénéficié d’une aide du gouvernement français, gérée par l’Agence Nationale de la Recherche au titre du projet Investissements d’Avenir UCAjedi portant la référence n°ANR-15-IDEX-01

Irene Kopelman est représentée par la galerie LABOR, Mexico, et Jocelyn Wolff Gallery, Paris.

Artistes : Karina Bisch, Gabrielle Conilh de Beyssac, Fabien Gharbi, Camila Oliveira Fairclough, Hugo Pernet, Gilles Pourtier, Linda Sanchez, Hugo Schüwer Boss, Xavier Theunis...

Ainsi qu’une sélection d’artistes de la Collection Albers-Honegger : John M. Armleder, Cécile Bart, Max Bill, Marcelle Cahn, Eduardo Chillida, Sonia Delaunay, herman de vries, Piero Dorazio, Dominique Figarella, Christoph Haerle, Gottfried Honegger, Shirley Jaffe, Donald Judd, Tatiana Loguine, Olivier Mosset, Aurelie Nemours, Verner Panton, Gerwald Rockenschaub, Adrian Schiess, Sean Scully, Kimber Smith, Franz Erhard Walther



L’Espace de l’Art Concret possède une collection d’oeuvres d’art — riche et unique en France — relevant d’une tendance résolument non figurative.

Cette collection de presque 700 oeuvres, qui regroupe 180 artistes de multiples nationalités, s’est constituée par touches multiples, par affinité programmatique, esthétique et affective. Sybil Albers et Gottfried Honegger ont fait des choix, durant leur vie entière, afin de faire grandir cette collection dont ils ont fait don et qui appartient désormais à l’Etat.

Le concept de l’exposition Filiations prolonge ce regard porté sur la création "vivante" en invitant une sélection d’artistes de la nouvelle génération à choisir au sein de la collection Albers-Honegger des oeuvres avec lesquelles ils se sentent en "résonance".

Dix ans après la première édition, Filiations 2 propose à une nouvelle génération d’artistes de dialoguer avec certaines figures "tutélaires" de la collection dans les espaces de la donation. Ces choix viennent s’enrichir de leurs propres travaux afin qu’un dialogue s’instaure au-delà de la barrière du temps et de l’espace.

Les artistes invités à participer à ce projet partagent avec l’histoire de l’abstraction et de ses ramifications des liens spécifiques.

Ils s’inscrivent dans une filiation plus ou moins naturelle, qui comme toute les histoires de famille, se construit dans une relation plus ou moins ténue, plus ou moins directe et affirmée, mais toujours dans une recherche constante et essentielle d’autonomie.

Au-delà des liens formels et conceptuels existants, il s’agit aussi de tenter de saisir en quoi dans le parcours d’un artiste, la figure d’un autre artiste, la présence de son oeuvre, peuvent créer une incidence…

Images : Oriel Orlow, Botanical Dreams, 2016
Courtesy de l’artiste et Mor Charpentier, Paris © Adagp, Paris, 2022
Dans le cadre de la Biennale des Arts de Nice 2022 « Fleurs ! » sous le commissariat général de Jean-Jacques Aillagon.
Devenir Fleur ?
Alors que le bouleversement des écosystèmes et du climat nous amène à repenser notre relation à la nature et au monde vivant que pouvons-nous apprendre des fleurs, de leur résilience, de leur adaptation constante à leur milieu, de leur sobriété ? Vulnérables et essentielles, elles sont un moteur indispensable de la vie : elles produisent la nourriture que consomment humains, animaux et insectes et l’oxygène que nous respirons.
Avec les avancées scientifiques sur l’intelligence du végétal et une nouvelle approche du vivant, la fascination qu’elles exercent ne cesse d’augmenter – bien au-delà du simple plaisir esthétique. Symboles de fragilité et de renaissance, elles deviennent un marqueur particulièrement puissant pour éclairer les enjeux actuels.
À travers le regard d’artistes, femmes et hommes de vingt nationalités différentes « Devenir fleur » tente d’apporter un éclairage nouveau et sensible sur les sujets écologiques, anthropologiques, géopolitiques contemporains. L’exposition fait surgir une botanique de l’histoire mondiale, ainsi que de nouvelles formes d’attentions, de sensibilités, de pensées.
Dans le sillage de l’exposition « Cosmogonies. Au gré des éléments » (MAMAC, été 2018) qui dessinait une ode à l’invention d’un art co-réalisé avec la nature de Yves Klein à Thu Van Tran, « Devenir fleur » fait état des formes d’écoute que les artistes, depuis les années 1960, entretiennent avec le végétal. Ainsi, est semé un nouveau langage.
Et, l’agapanthe, la pivoine, le lin et le jasmin, le pissenlit, le rosier de Damas, la fleur de paon et de banane, égrènent un élan de résistance, de solidarité et de communion : un devenir fleur.

Artistes : Laurence Aëgerter, Maria Thereza Alves, Isa Barbier, Yto Barrada, Hicham Berrada, Minia Biabiany, Melanie Bonajo, Bianca Bondi, Fatma Bucak, Chiara Chamoni, Ali Cherri, Jean Comandon & Pierre de Fonbrune, Marinette Cueco, Odonchimeg Davaadorj, Andy Goldsworthy, Nona Inescu, Kapwani Kiwanga, Tetsumi Kudo, Marie-Claire Messouma Manlanbien, Ana Mendieta, Marie Menken, Otobong Nkanga, Dennis Oppenheim, Uriel Orlow, Gabriel Orozco, Giuseppe Penone, Pia Ronïcke, Michelle Stuart, Anaïs Tondeur, NILS-UDO, Zheng Bo.

SAHA – Aide à l’art contemporain turc a apporté son soutien à Fatma Bucak.